En esta edición de Art Photo Bcn se nos invita a emprender un viaje visual y reflexivo, donde cada proyecto se erige como un testimonio único del poder de la imagen para encerrar historias, emociones y memorias. La cuidada selección de obras expone una diversidad de universos artísticos, desde la intimidad y la vulnerabilidad personal hasta las huellas profundas en el paisaje y la cultura. Cada propuesta, en su singularidad, nos reta a detenernos a observar con detenimiento lo cotidiano, lo olvidado y lo inexplorado, y a descubrir cómo el arte se convierte en un puente que transforma experiencias en narrativas visuales que hablan de identidad, resistencia y transformación. Con estos nueve proyectos, se nos abre una ventana para comprender la riqueza de nuestro presente y la profundidad de nuestra historia, invitándonos a replantear nuestra visión del mundo y a conectar con la esencia misma de la creatividad.
«It’s That You’re Here» de Caroline Kist
Caroline Kist invita al espectador a sumergirse en un universo íntimo y reflexivo, en el que la mirada, a través de la fotografía, se convierte en un puente para comprender lo cotidiano y lo extraordinario. Su obra, en la que se entrelazan la historia personal y la narrativa visual, surge de la profunda conexión que comparte con su hermano. A través de una selección cuidadosa de imágenes plasmadas en impresiones sutiles y videos en bucle, la artista desvela, de manera simultánea, la fragilidad y la fuerza que subyacen en momentos que suelen pasar desapercibidos.
El proyecto despliega un equilibrio entre la transparencia de la forma y el misterio del contenido, en el que la utilización de materiales como el papel Awagami Murakumo y la disposición minimalista de los elementos enfatizan la experiencia sensorial y meditativa de la obra. Así, Caroline logra una narrativa que invita a repensar la inmediatez de la sociedad contemporánea y a valorar la riqueza de la existencia tal como es, sin forzar ruidos ni barreras, descubriendo en lo cotidiano una innegable belleza y profundidad.
«Background» de Carla Oset
Carla Oset nos lleva a explorar los misterios ocultos tras la producción cinematográfica con su proyecto «Background», en el que la cámara se convierte en un testigo silencioso de lo que acontece detrás del telón. Este trabajo visual invita a descubrir la esencia efímera de los decorados inacabados y de los figurantes en espera, elementos que habitualmente permanecen invisibles pero que resultan fundamentales para la creación de una narrativa audiovisual. A través de su objetivo, Carla revela la complejidad de espacios y personajes que, aunque marginales, poseen una carga simbólica profunda.
El proyecto se erige como un desafío a las convenciones establecidas en la mirada cinematográfica, otorgando protagonismo a aquello que generalmente se pasa por alto. Los elementos de este universo visual permiten al espectador cuestionarse una realidad que transciende la ficción, mostrando la paradoja de que, cuanto más perfectas parecen ser las ilusiones cinematográficas, más evidentes se vuelven las costuras que las sostienen. «Background» invita a una contemplación donde la invisibilidad de lo efímero cobra vida, animándonos a observar con calma y reflexión las capas ocultas del arte del cine.
«Zarcillo» de Elena Bulet
Elena Bulet nos lleva en un viaje introspectivo a la raíz de sus orígenes a través de su proyecto «Zarcillo». En este trabajo, la artista explora la memoria y la herencia familiar mediante una reconstrucción simbólica del pasado. Con un enfoque que oscila entre la realidad y la ficción, Bulet evoca fragmentos de su abuela Mari, una figura central en su linaje cuyos recuerdos se entrelazan con historias de emigración, dictadura y resiliencia. «Zarcillo» se convierte así en un espacio donde la imaginación y las narrativas personales reconfiguran las experiencias en un contexto contemporáneo.
En «Zarcillo», cada imagen es un intento de desenterrar el pasado, apoyándose en archivos familiares, entrevistas y recreaciones en Almayate, el pueblo natal de Mari. Este proyecto se desarrolla como una catarsis de identidades entrelazadas, donde la memoria toma forma en objetos y lugares marcados por el tiempo, así como por dificultades históricas. A través de estas reconstrucciones, Elena Bulet nos invita a replantear la manera en que entendemos nuestros lazos familiares y culturales, desvelando un hermoso tejido de pertenencia y continuidad que persiste a pesar del paso del tiempo.
«Intento de Brillar: Breve ensayo sobre el parecer exterior y el padecer interior» de Eva Casanueva
Eva Casanueva, en su proyecto «Intento de Brillar», nos sumerge en una exploración introspectiva del yo, examinando la dualidad entre la apariencia exterior y el sufrimiento interno. A través de una serie de fotografías cargadas de simbolismo y vulnerabilidad, Casanueva plasma un viaje, de una década, marcado por la enfermedad y el autoredescubrimiento. Cada imagen se convierte en un rito visual que delimita un espacio de resonancia emocional, ofreciendo una visión poética y honesta sobre la complejidad de la identidad femenina en un mundo que a menudo exige perfección y felicidad.
El proyecto desafía narrativas simplistas sobre la fuerza y la fragilidad, presentando un diálogo visual donde el dolor y el placer coexisten de forma cautivadora. Utilizando la fotografía como un talismán introspectivo, Eva Casanueva reconstruye los lazos emocionales vulnerados por su experiencia personal, brindando así una plataforma para cuestionar, sentir y trascender las expectativas impuestas. «Intento de Brillar» se erige como una afirmación de la existencia de una feminidad compleja y valiente, recordándonos que, en la imperfección y en el desvío, se abren nuevos caminos hacia un propósito personal.
«Hiato Alpino – la nieve ya no sabe a nieve» de Filippo Poli
Filippo Poli nos invita a adentrarnos en un paisaje alpino en transformación, donde la majestuosidad de la montaña se ve alterada por el imponente impacto de infraestructuras de esquí. Entre cumbres y glaciares, que en tiempos pasados evocaban un reino puro e incontaminado, ahora se dibujan cicatrices generadas por un avance artificial que, en un frágil juego de contrastes, revela la vulnerabilidad del entorno. A través de sus imágenes, el artista documenta no solo la evolución del paisaje, sino también la huella que la intervención humana deja en un territorio, íntimamente ligado a la identidad familiar y cultural.
El proyecto se despliega como una reflexión crítica sobre el impacto del cambio climático y la sobreexplotación de recursos naturales, en un entorno en el que la nieve, hoy alterada, pierde la esencia de lo que fue. Con una mirada que combina el rigor de la arquitectura y la sensibilidad fotográfica, Poli nos invita a detenernos y contemplar un escenario en el que la naturaleza y la intervención humana dialogan en un tono melancólico, recordándonos la imperiosa necesidad de repensar nuestra relación con el medio ambiente.
«Ciudad Secreta» de Javier Arboledas
Javier Arboledas nos invita a sumergirnos en un recorrido por las memorias y los vestigios de Sosnovy Bor, una ciudad que, en su concepción utópica y secreta, encarnó el ideal del “nuevo hombre soviético”. Con una mirada sensible y atenta, el proyecto se despliega en capas de tiempo y recuerdos, en las que los testimonios de una habitante de segunda generación se funden con la topografía de una ciudad-forja de identidad y ambición política. A través de su narrativa visual, Arboledas nos reta a repensar el legado del ideal comunista, desvelando tanto la gloria de un pasado como la decadencia que desemboca en el presente.
El recorrido se transforma en un telescopio espacio-temporal que entremezcla lo íntimo y lo histórico, invitándonos a reflexionar sobre el destino del homo sovieticus en un mundo transformado por la memoria y el implacable avance del tiempo. La obra capta el diálogo entre los vestigios de un orden olvidado y la realidad actual, donde el paisaje urbano y la vida de sus habitantes ofrecen una puesta en escena que cuestiona las promesas de un sistema ya desaparecido. «Ciudad Secreta» se erige, así, como una reflexión poética sobre las capas ocultas de la historia y la forma en que los sueños, incluso aquellos sellados por secretos, continúan dejando su huella en el presente.
«The river is a loom, the thread is a mountain» de Joel Jiménez Jara
Joel Jiménez Jara nos invita a explorar el recorrido de las colonias textiles a lo largo del río Llobregat, en un viaje en el que el pasado industrial se entreteje con el presente del paisaje. Con una mirada serena, el proyecto utiliza imágenes de archivo, reimaginadas como patrones textiles, para revelar historias de poder, control y memoria que marcaron estos espacios. El río, transformado en telar, y el hilo, elevado a la condición de montaña, se convierten en símbolos de la persistente huella de un sistema que, en su auge, moldeó la vida de comunidades enteras.
A través de esta deconstrucción visual, el trabajo de Jiménez Jara propone un diálogo entre lo tangible y lo narrativo, donde cada capa histórica se funde con la naturaleza del entorno. Este proceso no solo invita a recordar la estructura social de un pasado marcado por la explotación y la disciplina, sino que también se erige como una reflexión sobre la resiliencia y la fragilidad de la memoria colectiva. Así, el proyecto se transforma en un testamento poético que nos conecta con la identidad y los vestigios de una época ya lejana, recordándonos la ineludible transformación que impone el tiempo.
«La Teoría de mis Albertos» de Lucía Morón
En «La Teoría de mis Albertos», Lucía Morón transforma la frustración en creación, dando lugar a una obra profundamente personal y cargada de ironía. La artista, que ya encontró en el amor una fuente de inspiración dolorosa, canaliza ahora las tensiones de su entorno laboral a través de una obsesión insólita: la figura de Albert Einstein. Sin que ello parezca casual, cada aparición del icónico científico –o de los tantos “Alberto” que han marcado su vida familiar y profesional– se convierte en un símbolo que cuestiona el rol de la mujer en el mercado laboral, el valor del tiempo invertido y las múltiples facetas del trabajo.
El proyecto se construye a partir de autorretratos, textos, collages, dibujos y fotografías digitales, que se entrelazan con imágenes de archivo provenientes de álbumes familiares y de revistas de ciencia de los años 50. En este universo artístico, la línea de tiempo se diluye y los “Albertos” parecen viajar en un mismo espacio, invitándonos a descifrar un mensaje enigmático sobre conexiones y ficciones personales. Así, Lucía Morón nos propone un viaje casi mitológico, donde la historia, la identidad y el devenir individual dialogan con la tradición cultural y científica, dando voz a una reflexión íntima y necesaria sobre nuestra propia existencia.
«Where Dust and Water Dream Together» de Skander Khlif
Skander Khlif traza un viaje poético a través de los paisajes cambiantes de Túnez, donde el encuentro entre el polvo del desierto y la fluidez del agua se convierte en un poderoso símbolo de resiliencia, supervivencia y transformación. En este proyecto, la naturaleza y la cultura se entrelazan en una narrativa visual que, con sensibilidad, relata cómo las comunidades locales se han adaptado y han encontrado belleza en medio de la coexistencia de elementos opuestos. Cada imagen es una invitación a detenerse y apreciar el diálogo sutil entre la aridez y la fertilidad, el pasado y el presente.
Inspirado en la teoría Gaia, Khlif nos recuerda que la Tierra es un sistema interconectado que requiere tanto soluciones técnicas como un reencuentro con sus ritmos naturales. «Where Dust and Water Dream Together» se despliega como un testimonio visual de este equilibrio precario, revelando las huellas de una adaptación ancestral y la urgencia de una acción política y cultural para preservar estas frágiles conexiones. Así, el proyecto invita a reflexionar sobre la manera en que entendemos y protegemos nuestro entorno, recordándonos que, en cada grano de polvo y en cada gota de agua, se esconde el sueño de un mañana mejor.
